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Mapa Teatro es un laboratorio de imaginación social impulsado en el año 1984 en París por Heidi, Elizabeth y Rolf Abderhalden, que en 1986 se traslada a la ciudad de Bogotá. Desde el inicio de su recorrido han desarrollado su práctica dentro del ámbito de las artes vivas, apostando por la creación colectiva y la formación de comunidades experimentales temporales. Como buenos antropófagos, trabajan en la reconversión de materiales para crear nuevos universos que se dejan atravesar por testimonios y ficción, por poética y por política. En este podcast conversamos con Mapa Teatro sobre sus cuarenta años de prácticas y fraternidad extendida. Hablamos sobre archivos vivos, acontecimientos, testigos y ficciones.
En este podcast, conversamos con el artista mejicano Juan Arturo García sobre lenguaje y plantas. O sobre cómo la taxonomía sobre-escribió una tradición de pensamiento por otra, latín mediante. Paradójicamente, una lengua imperial muerta. Recorremos detenidamente su práctica poniendo especial atención en el lugar que ocupan la especulación, la ficción y el archivo en la manera de hilar sus historias. Hablamos sobre el surgimiento del español neutro y también nos comparte sus primeros pasos en una película que indaga la extraña llegada de un reactor nuclear a Colombia alrededor de 1950.
A lo largo de los últimos diez años, el trabajo de la académica Sarah Nuttall se ha centrado en la crítica poscolonial, la teoría urbana y los estudios literarios y culturales, especialmente relacionados con África y sus diásporas. Actualmente su área de interés gira en torno al agua, las lluvias intensas, las inundaciones y el hidrocolonialismo, y cómo estos se cruzan con la materialidad, el tiempo y la vida cotidiana. Pero también sobre cómo se puede rastrear y analizar el agua en obras de ficción literaria del continente africano. “Pluvialidad”, el término que acuñó para este propósito, sirve como marco conceptual y enfoque metodológico para su estudio de la lluvia en una era de emergencia climática extrema
Elvira Espejo Ayca es artista, tejedora, escritora, poeta e investigadora indígena. Su trabajo hace emerger estrategias colectivas que se resisten a la monoculturalización, en un camino de ida y vuelta, entre lo rural y lo urbano, entre la práctica ancestral y la mirada colonial, entre el sentipensamiento de los pueblos originarios y el predominio del eurocentrismo académico. En este podcast, nos sumergimos, a todo pulmón, en las conversas y acciones del Museo Nacional de Etnografía y Folklore de La Paz (Bolivia) en búsqueda de una comprensión y respeto mutuo, en la acción de tejer y retejer, de gestar y regestar los puentes y vacíos históricos entre dos mundos.
Combinando prácticas documentales, conceptuales, instalativas y de narración oral, Khalili investiga cuestiones de auto-representación, agencia política y estrategias de resistencia de los sujetos y comunidades invisibilizadas por las dinámicas coloniales, opresivas y excluyentes de los estados-nación. ¿Quién es testigo? ¿Quién narra? ¿Quién documenta, archiva y transmite las historias que nos llegan? Estas son cuestiones centrales que atraviesan todo el trabajo de la artista. En este podcast conversamos con Bouchra Khalili sobre lo que significa producir imágenes y abordar la práctica cinematográfica y documental desde nuevos enfoques y lugares. La artista reflexiona también sobre los modos de trabajar con historias que carecen de archivo.
El relato histórico, el conocimiento ancestral africano y las heridas coloniales desde una mirada contemporánea, son el plano base desde el cual la artista Sethembile Msezane desarrolla una práctica interdisciplinar que apunta, más allá de una mirada crítica, a la posibilidad de generar otros espacios que inviten a reflexionar y abrir caminos hacia otras conversaciones. En este podcast, Sethembile Msezane rechaza la cultura del usar y tirar contemporánea, convencida de que la historia y las experiencias de los antepasados contienen en sí mismas multitud de pistas y saberes que nos permiten soñar otros futuros. Para ella, la puerta del buen presagio debe abrirse a través de la espiritualidad y el diálogo con los ancestros. El arte es simplemente una herramienta.
Anthea Caddy es una violonchelista experimental y artista sonora nacida en Tasmania y afincada en Berlín que explora la propagación de la energía del sonido a través de prácticas espaciales que enfatizan los fenómenos físicos y sonoros. En este podcast, Anthea Caddy nos guía a través de su viaje desde tocar el violonchelo en bandas de rock cuando era adolescente hasta su investigación en curso sobre la propagación de energía. Caddy abre su investigación sobre altavoces direccionales y las experiencias recopiladas a lo largo de múltiples iteraciones y pruebas con los altavoces parabólicos, nos habla sobre la documentación y transmite las dificultades de abordar la performance de sonido a gran escala.
Marc Larré trabaja con video, fotografía, escultura y objetos, para dar rienda suelta a una práctica diletante y de escucha atenta, tanto de los materiales que manipula como del contexto, lo que le rodea. En su pensar haciendo, Marc genera un sinfín de conexiones inesperadas entre situaciones temporales, objetos y personas, para poner en crisis cualquier noción de progreso y modernidad. Conversamos con Marc Larré sobre megalitos, piedras y antimonumentos. En la escucha, aparecen prácticas artesanales, huellas, roces, barro, escayola. Hablamos sobre la dimensión experiencial de su práctica y sobre las conexiones y sinergias con la comunidad artística de Barcelona. Y, cómo no, sobre arte, precariedad y la necesidad de pensar juntas nuestras condiciones de trabajo.
Antye Greie es una poeta, activista, artista sonora, escultora de sonido y comisaria, nacida en Alemania Oriental y afincada hace más de quince años en Hailuoto, una isla muy al norte de Finlandia. En este podcast, conversamos con Antye Greie sobre lenguaje, sonido y cuerpo. En la encrucijada, aparece la voz, sus múltiples resonancias y diferentes formas de introducir las voces de otras desde su propio trabajo y espacio de visibilidad. Por el camino, recorremos su trayectoria y metodología, desde la deconstrucción de textos a la puesta en práctica de lo que ella llama “tecnologías sónicas feministas”.
Dani Admiss es comisaria independiente, investigadora y educadora. Pasó parte de su infancia en Dubai hasta emigrar al Reino Unido y actualmente vive en Edimburgo. Sus proyectos se sitúan en la intersección entre arte, diseño, tecnología y la producción cultural, y que se interesan por las infraestructuras y lo relacional. En ese eje se inscribe justamente "Sunlight Doesn't Need a Pipeline", desarrollado para la Stanley Picker Gallery, que como punto de partida de una beca responde a una pregunta tan básica como compleja como: “¿En qué os puedo ser útil?”. La respuesta –“un plan de decarbonización de la galería”– se transforma a lo largo del proyecto en una conversación a muchas voces y con diferentes comunidades en un proceso de aprendizaje colectivo y justicia social desde el que repensar las maneras de hacer de las artes en tiempos de emergencia climática.