FONS ÀUDIO #39
Iván Argote
En la obra de Iván Argote (Bogotá, 1983) nos enfrentamos a la reiterada desconstrucción del concepto de espacio público, de la interrelación personal y de nuestros extraños hábitos sociales. Multifacético, conceptual y contestatario, su trabajo se centra en el cuestionamiento del patrimonio y de la miríada de acontecimientos que rigen nuestro contexto social, político e íntimo.
A través de medios tan variados como el video, la fotografía, la escultura, la performance y la instalación, Iván Argote explora la ciudad como lugar de transformación. «Muchos de mis trabajos tratan de la vida en la ciudad y de vivir con otras personas», argumenta. «Me parece pretencioso ver el arte como algo separado de la vida real», concluye.
Aunque al principio pretendía estudiar filosofía, a Iván le sedujo la porosidad e inmediatez de la imagen como vehículo de ideas y la iconoclastia como herramienta de para generar subjetividad. Sus gestos simples y transgresivos, sus «pilatunas» o gamberradas, subvierten símbolos.
Leones imperiales hechos gatitos meme («Blind Kittens», 2014), monumentos tumbados e impotentes («Hangover and extasy», 2014; «Turistas», 2013), una paloma glorificada («The pigeon», 2010), inocentadas ante declaraciones de amor de un desconocido («Untitled», 2010-2012) y dos Mondrian estropeados en After Effects («Retouch», 2008) son algunas de las sutiles alteraciones al orden establecido con las que Argote reflexiona sobre la forma cómo construimos la certeza.
En la Colección MACBA encontramos cuatro despliegues de su multifacética obra. «Activissimme» (2011-2013) es una instalación que documenta el taller para niños de cuatro a nueve años que Argote realizó en los veranos de 2011 y 2012 en el Museo MAC/VAL en Francia. Inspirado en la labor activista y pedagógica de sus padres en la Colombia de los años 70, Iván concibió un taller en el que los niños organizaban protestas, formulando cuestiones críticas sobre su situación («Duerme más para estar menos cansado») y produciendo herramientas para manifestarse en el espacio público.
Además de carteles, megáfonos y pancartas, las diapositivas nos enseñan la transcripción de una conversación telefónica en la que el artista explica el proyecto a su madre, en un gesto que frecuentemente se encuentra en su obra: un círculo de intimidad en una reflexión de ámbito universal. En esta obra encontramos el mismo dispositivo crítico del film sobre grupos revolucionarios de Bogotá de los años setenta y ochenta que conforma «La estrategia» (2012) y de la reflexión sobre jerarquía y poder de «Reddish Blue» (2014).
La misma superposición de esfera personal y pública atraviesa «Histoire de l’Humanité» (2011), por ejemplo, un video casero grabado en Super 8 en el que la familia de Argote escenifica la sinécdoque perfecta: una selección de momentos cruciales de la historia de la humanidad en forma de juegos o alegorías familiares.
El video se estructura en ocho episodios – «Homo sapiens», «Las primeras sociedades agrícolas», «Las primeras civilizaciones», «Guerras», «Amor & Odio», «Colonialismo y Post Colonialismo», «Estados Naciones» y «Futuro incierto» – y juega con la intención soñadora de aprovechar una tarde en un parque de Bogotá para hacer un film casero colectivo, un gesto en apariencia muy familiar e universal, pero que en realidad según, él mismo cuenta, fue ajeno a su infancia.
Es también en un parque, en un final de tarde en el de Tuileries en Paris, que nos encontramos a la pareja de enamorados que protagoniza «Caricia» (2012). En este vídeo, la sombra de la mano intrusa del artista-fantasma ensaya gestos de ternura sobre la pareja y explora el anonimato y el afecto como estrategias conceptuales.
«¿Quién no jugó a los antepasados alguna vez, a las prehistorias de su carne y su sangre?» (2013), a su vez, se basa en una cita borgiana. En 1934, la revista «Crisol» acusó al escritor de ocultar su ascendencia sefardí, acusación a la cual Jorge Luís Borges contestaría en las páginas de Megáfono. De dicho texto Argote extrajo la cita que da título a esta obra. La codificó en morse y materializó en una guirnalda de cables y ochenta y ocho bombillas que nos hablan del imaginario de una fiesta de pueblo y de la soledad en el espacio público mientras iluminan la proximidad.
Núria Güell
En la práctica de Núria Güell, la institución-museo se convierte en el propio medio artístico: la artista la manipula, la tensa, la expande, cuestiona sus lógicas, puntos ciegos y contradicciones y se propone desbordar sus límites. Sus trabajos siempre parten de conflictos sociales que la interpelan directamente y utiliza los dispositivos del arte como plataformas para desarmar las lógicas del poder. En este podcast conversamos con Núria Güell sobre sus metodologías de trabajo y sobre la activación de prácticas artísticas que devienen dispositivos para la escucha. Reflexionamos sobre lo ético y lo moral en el arte, y sobre desobediencias, psicoanálisis, precariedades, el estatuto del artista y la urgencia de recuperar el potencial subversivo del arte contemporáneo.
Núria Güell
La práctica artística de Núria Güell se origina siempre a partir de una contradicción o conflicto social por el cual la artista se siente interpelada o directamente afectada. Se inician así largos procesos de trabajo colaborativo en los que la escucha, la investigación legal, la negociación, la confrontación y también las complicidades y los afectos se convierten en herramientas creativas primordiales. La suya es una práctica de vida, desde la que asume riesgos legales, físicos y emocionales. En FONS AUDIO #55 Núria Güell nos habla sobre Ayuda Humanitaria (2008-2013), pieza que inicia durante sus años de estancia en Cuba y que desde 2021 forma parte de la Colección del MACBA.
Escenas eliminadas
Recuperamos fragmentos inéditos de la entrevista con Martí Anson que no pudimos incluir en su momento.
Martí Anson
Martí Anson es un artista de múltiples registros que con sus obras amplía y redefine los límites de los espacios expositivos, las posibilidades de la recepción artística y la condición misma del artista. En FONS AUDIO #40 Martí Anson nos habla sobre sus veranos de la infancia en La Garrotxa, sobre sus años de formación, sobre los públicos del arte, los límites del museo y los trasvases entre realidad y ficción.
Escenas eliminadas
Recuperamos fragmentos inéditos de la entrevista con Iván Argote que no pudimos incluir en su momento.
Dora García
Dora García desarrolla proyectos que tienden al crecimiento infinito recurriendo a prácticas como el teatro invisible, las notas a pie de página o la exploración por serendipia. En FONS ÀUDIO #38 habla sobre sus obras en la Colección MACBA, sus métodos de trabajo y los inagotables trasvases históricos entre psicoanálisis y literatura.